Josefa de Óbidos

Virgem com o Menino (c.1680) - Josepha Ayala (1630-1684) (50416949808).jpg
Autor: Pedro Ribeiro Simões from Lisboa, Portugal, Licence: CC BY 2.0

Museu Nacional de Arte Antiga, R. das Janelas Verdes, Lisbon, Portugal

Material: Oli on canvas Collection: Private

PROJETO Museu Nacional de Arte Antiga / António Filipe Pimentel

COMISSÁRIOS Joaquim Oliveira Caetano Anísio Franco José Alberto Seabra Carvalho

Ao longo de quase quatro décadas, Josefa de Óbidos criou algumas das imagens mais reconhecíveis da História da Arte portuguesa.

Fascinante pela sua condição de género mas também pela individualidade do seu percurso artístico, Josefa é o alicerce desta grande exposição que nos desvenda, em oito núcleos, o Barroco português nos anos que se seguiram à Restauração da Independência.

Mais de 130 peças (pintura, escultura e artes decorativas) vindas de várias instituições nacionais e internacionais, como os museus do Prado e de Bellas Artes de Sevilha, o Mosteiro do Escorial e de inúmeras coleções privadas, portuguesas e estrangeiras, compõem uma mostra inovadora, que o Museu Nacional de Arte Antiga, em parceria com a Ritmos, preparou para o verão de 2015.

Revisitar a sua obra tem várias justificações. Mostrar a um novo público as suas pinturas, muitas em coleções privadas, e voltar a interrogar essas obras à luz dos contributos críticos entretanto colhidos, em exposições nacionais e internacionais onde a presença da pintora foi particularmente forte, são apenas algumas.

Afastar de Josefa o mito da artista curiosa, porém provinciana, e apresentá-la como uma mulher emancipada e culta, cuja fé reflete a espiritualidade do século XVII, e como o mais eficaz e reputado expoente do Barroco português no ciclo que se seguiu à Restauração, é outro dos objetivos.

BIOGRAPHY

Source: Wikipédia, a enciclopédia livre.

Josefa de Ayala Figueira, conhecida como Josefa de Óbidos (Sevilha o de 1630 — Óbidos, 22 de julho de 1684 (54 anos)), foi uma pintora nascida na Espanha que viveu e produziu em Portugal.

Tendo vivido quase sempre na Quinta da Capeleira, a sua reputação que granjeou era de tal ordem que muitos dos que iam tomar banhos às Caldas da Rainha, se desviavam de seu caminho, para irem a Óbidos cumprimentá-la.

Era filha de Baltazar Gomes Figueira, pintor português natural de Óbidos, com obra em Évora, que fora trabalhar em Sevilha, onde veio a desposar D. Catarina de Ayala Camacho Cabrera Romero, natural da Andaluzia. Foi apadrinhada pelo pintor Espanhol Francisco Herrera, El Viejo. O seu irmão Barnabé de Ayalla também foi pintor.

Em 1634, quando tinha apenas quatro anos de idade, os pais de Josefa regressam a Portugal, onde vieram a se estabelecer na Quinta da Capeleira, em Óbidos, quando a menina já tinha seis anos de idade. Ali a menina se educou, manifestando desde cedo, vocação para a pintura e para a gravura em metal, em lâminas de cobre e prata, num género denominado como pontinho.

Foi especialista na pintura de flores, frutas e objectos inanimados. A influência exercida pelo barroco tornaram-na uma artista com interesses diversificados, tendo-se dedicado, além da pintura, à estampa, à gravura, à modelagem do barro, ao desenho de figurinos, de tecidos, de acessórios vários e a arranjos florais.

Em 1653, aos 19 anos de idade, fez a gravura da edição dos Estatutos de Coimbra. Trabalhou em seguida como pintora para diversos conventos e igrejas. Na Capela do Noviciado do Convento de Varatojo havia uma excelente Nossa Senhora das Dores e, no coro, um Menino Jesus, quadros que lhe são atribuídos. Havia quadros seus no Mosteiro de Alcobaça, no Mosteiro da Batalha, em Vale Bem-Feito no Mosteiro de São Jerónimo, em Évora, onde existe um Cordeiro engrinaldado de flores, que passa por ser um dos seus melhores trabalhos.

Como retratista da Família Real Portuguesa, destacam-se os seus retratos da rainha D. Maria Francisca Isabel de Saboia, esposa de D. Pedro II, e de sua filha, a princesa D. Isabel, que foi noiva de Vítor Amadeu, duque de Saboia, a quem esse retrato foi enviado.

O Museu Nacional de Arte Antiga, em Lisboa, a partir do ano de 2015 vai expôr mais um dos seus trabalhos, que representa um Menino Jesus Peregrino associado aos Caminhos de Santiago, para se juntarem aos 14 outros que já aí estavam, nessas condições, nomeadamente duas das naturezas-mortas que a tornaram tão popular (Com Taça de Cristal e Com Caixas e Potes), um Menino Jesus Salvador do Mundo, uma Adoração dos Pastores e um Casamento Místico de Santa Catarina em ambiente doméstico, com a Virgem sobre um estrado, com um cesto de costura aos pés.

No concelho de Sernancelhe , freguesia de Quintela , existem também na Igreja da Sª. da Lapa minúsculos mas admiráveis trabalhos da pintora, esta igreja onde estão expostos estes trabalhos localiza-se ao lado do Mosteiro na Serra da Lapa , no Santuário Nossa Senhora da Lapa .

In PUBLICO (15 May 2015 Edition, by KATHLEEN GOMES)

DE PINTORA PROVINCIANA A MULHER CULTA, A EMANCIPAÇÃO DE JOSEFA DE ÓBIDOS

Dela se disse que pintava Meninos Jesus como se fossem bolos. Apesar da sua popularidade junto dos coleccionadores, não foi totalmente ilibada de preconceitos.

A partir de hoje, no Museu Nacional de Arte Antiga, uma exposição tenta contrariar os estereótipos.

Em 1949, o escritor Miguel Torga visitou a primeira exposição sobre Josefa de Óbidos realizada no Museu Nacional de Arte Antiga e não escondeu a sua decepção. “A senhora faz renda com os pincéis. Que falta de imaginação, que miséria de desenho, que geleia aquilo tudo!”, escreveu no seu Diário. “Enquanto um baboso se extasiava diante de um Menino Jesus rechonchudo, que parecia uma trouxa-de-ovos, raspei-me. Raça de portugueses que não dão um pintor que se aproveite!”

O desprezo de Torga não foi um caso isolado. Quase todos os críticos, exasperados com a aura de popularidade de que a pintora do século XVII gozava junto dos coleccionadores, que disputavam os quadros que surgiam nos leilões ou no mercado de antiguidades, concluíram tratar-se de uma artista menor, monótona, ingénua.

Sessenta e seis anos depois, o Museu Nacional de Arte Antiga (MNAA), em Lisboa, regressa a Josefa de Óbidos, que continua a ser popular junto dos colecionadores – metade das obras na exposição Josefa de Óbidos e a Invenção do Barroco Português são empréstimos de privados – mas não foi totalmente ilibada de preconceitos.

As análises sobre a pintora têm incidido na sua suposta periferia geográfica – o facto de ter vivido e trabalhado na pequena vila de Óbidos, a norte de Lisboa – validando o retrato de uma artista rústica, provinciana. A sua educação conventual e devoção religiosa, plasmada na obra de Josefa, contribuíram para que se pensasse nela como uma espécie de freira que pintava. E apesar de ter pintado outros géneros, Josefa de Óbidos é conhecida sobretudo pelas suas naturezas-mortas, figurando doces conventuais e flores, o que por vezes tem servido como um atestado de menoridade; a natureza-morta é considerada menos exigente do ponto de vista pictórico, “sem necessidade de um conhecimento profundo do corpo humano”, nota a historiadora Filipa Lowndes Vicente no catálogo da exposição, e é mais facilmente associada a um universo feminino pela possibilidade de ser executada no interior do espaço doméstico.

Como os comissários Joaquim Oliveira Caetano, José Alberto Seabra Carvalho e Anísio Franco assumem, “afastar de Josefa o mito da artista provinciana, beata e prendada e apresentá-la como uma mulher emancipada e culta” é uma das intenções da exposição.

PINTORA DA DOÇURA

Josefa “é uma pintora da doçura, não é uma pintora da emoção”, nota Joaquim Caetano, apontando para um Calvário que integra um retábulo que pertence à Misericórdia de Peniche e que desde o século XVIII se encontrava desmantelado. Maria Madalena está prostrada aos pés da cruz, cabisbaixa, desconsolada. “Está triste, mas é difícil que a gente chore com ela”, diz Joaquim Caetano. Os rostos nas suas pinturas raramente traduzem uma grande intensidade emocional.

São rostos ovalados, abonecados, com olhos enormes e bocas pequenas. É uma originalidade de Josefa, algo que distingue o barroco português, nacional, do espanhol.

“Há uma doçura na representação da Virgem e das figuras sagradas. Uma doçura divina que é bem diferente da produção pictórica barroca espanhola, que é muito mais realista”, diz Anísio Franco. Essa “doçura” está na origem de mal-entendidos, como o estereótipo de que Josefa pintava Meninos Jesus como se fossem bolos, reflectindo o gosto de uma clientela beata e ingénua – os conventos femininos.

Mas essa era uma estética consciente, deliberada. À época, muito por influência dos textos de Santa Teresa de Ávila, a doçura era um atributo do divino. “Não é por ser mulher que ela faz as coisas mais doces”, nota Anísio Franco. “Ela deseja que assim seja. As figuras divinas não são iguais às terrenas. Estão noutro nível – de transcendência. Não são pessoas como nós.”

O realismo é reservado para as coisas materiais – adereços, vestuário. O pintor Francisco de Zurbarán, contemporâneo de Josefa, conhecido como “o Caravaggio espanhol”, é uma influência notória. Duas das suas pinturas foram trazidas de Sevilha e do Museu do Prado e encontram-se na exposição, para facilitar as aproximações. “Josefa não é uma pintora da composição, da figuração espacial. É uma pintora da figura individual, como Zurbarán.” O colorido e a luminosidade dos tecidos é outra marca zurbaranesca, o seu naturalismo contrastando com os rostos quase caricaturais das figuras de Josefa. Bastaria decapitá-los para serem facilmente confundidos com Zurbarán.

A pintura, de 1670, faz parte da colecção do Banco de Portugal. Um Cristo ensanguentado é representado de costas. Uma mão, no lado direito do quadro, puxa o manto que pousa sobre as costas de Cristo para tornar ainda mais visíveis os ferimentos e o sangue. No topo, por cima da figura, estão pintados dois panos, como cortinas abertas num teatro. O halo em volta da cabeça de Cristo reforça a ausência de subtilezas: é uma frase em latim, onde se lê: “Sobre as minhas costas lavram os pecadores”. Os ferimentos sangrentos nas costas de Cristo parecem reproduzir a lavra de um arado. “Não conheço outra imagem de Cristo de costas”, diz Joaquim Caetano.

Ao contrário da última grande exposição sobre Josefa de Óbidos – organizada por Vítor Serrão em 1991, no Palácio Nacional da Ajuda –, a do MNAA não segue uma ordem cronológica, mas temática. A primeira sala é “uma síntese” da exposição, sugere Anísio Franco. Nela está representada a fase de aprendizagem de Josefa, através de uma série de pinturas de pequeno formato; o confronto com o pai, Baltazar Gomes Figueira, também pintor, formado em Sevilha, onde Josefa nasceu, e em cuja oficina de pintura trabalhou – as pinturas dos dois são muitas vezes colocadas lado a lado, desafiando comparações, até porque frequentemente usam os mesmos modelos; e, por fim, a fase da emancipação profissional de Josefa – uma antecipação “do que ela vai ser”, como diz Anísio Franco – representada por um Menino Jesus pintado no final da sua vida.

Numa outra sala mostram-se as naturezas-mortas de Josefa lado a lado com as que foram produzidas pelo atelier do seu pai, onde também trabalhou. É difícil distinguir o que é de um e o que é de outro. “Eles estão misturados nesta sala e na minha cabeça”, confessa Joaquim Caetano. “É muito repetitiva a pintura de bodegón [termo espanhol para natureza-morta]. Os modelos são sempre os mesmos, há pequenas nuances.” Ele notou, por exemplo, que a borda de um pano numa natureza-morta atribuída a Josefa e pertencente ao MNAA tem características diferentes de outras naturezas-mortas da pintora. A sua suspeita é que, na verdade, tenha sido pintada pelo pai de Josefa. “Aprendi mais nesta semana de montagem do que numa vida de fotografias”, resume.

Ao contrário de Espanha, onde existiam muitos pintores de bodegones no século XVII, especializados em subgéneros, Baltazar Gomes Figueira e Josefa de Óbidos são os únicos profissionais portugueses a fazê-lo. “Os bodegones são feitos para uma clientela civil. É um sucesso comercial”, diz Anísio Franco. Josefa só assina naturezas-mortas depois da morte do pai, em 1674. Mas não se conhecem muitas. “O que a Josefa vai tentar fazer, a partir da sua emancipação, é ser uma grande pintora”, diz Anísio Franco. “A grande pintura não é a pintura de bodegones. Hoje preferimos muito mais ter uma natureza-morta em casa do que uma Virgem com o Menino ou um Cristo sangrento. Mas a grande pintura no século XVII é a que conta a história de Cristo e dos santos.”

Na sua fase madura e autónoma, com atelier próprio, Josefa foi uma prolífica pintora de retábulos, com encomendas que se estenderam para lá de Lisboa. Na sala final da exposição, que reproduz o ambiente – e a concentração – de uma igreja barroca, expõem-se três retábulos da sua autoria: o da Misericórdia de Peniche sobre a crucificação, cujos painéis se encontravam dispersos e que são aqui reagrupados pela primeira vez desde o século XVIII, depois de os técnicos de restauro do MNAA terem procedido a uma limpeza profunda das duas pinturas laterais, Cristo no Horto e Cristo Atado à Coluna; O RETÁBULO SOBRE A VIDA DE SANTA TERESA DE ÁVILA, DA IGREJA MATRIZ DE CASCAIS; e duas santas de um retábulo que terá existido na sacristia da Igreja Matriz da Lourinhã.

“Não pretendemos que a exposição seja sobre toda a obra conhecida da Josefa”, explica Joaquim Caetano. “Pretendemos mostrar que, ao contrário do que se pensa, ela não é uma pintora de naturezas-mortas. Não é uma rapariga que está fechada em casa a pintar bolinhos.”

Assinatura de Josefa de Óbidos.jpg
Assinatura de Josefa de Óbidos: «Josepha em obidos.»